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本书探讨了14个事件或说14个时刻，从温克尔曼笔下的赫拉克勒斯残躯，到詹姆斯•艾吉所拍的阿拉巴马州农户，间有黑格尔在美术馆的一次到访，爱默生在波士顿的一场演说，马拉美在女神游乐厅的一晚观赏，举办于巴黎或纽约的一场展出，上演于莫斯科的一幕戏剧，建在柏林的一座工厂，通过这些或闻名或隐秘的场景，我们可以探询何为艺术，以及何是艺术所为。 通过各章我们可以看到，一个感悟、阐发艺术的体制，消除了各类艺术的专门性以及艺术与日常经验间的界限，由此得以成立并转型。我们可以知道，一座缺损的雕像如何成为一件完美的作品，一幅贫民孩子的画像如何达成一种理想的呈现，一群杂耍艺人的翻腾如何飞入诗意的天空，一件家具如何被尊为一座殿堂，一段台阶如何塑造一个人物，一件补丁累累的工装如何展现一种高贵的品行，一道航帆的折缝如何暗示宇宙的源起，一段加速的蒙太奇如何表达共产主义的感性现实：这是一段艺术现代性的历史，它绝不同于现代主义的正统。

序言

章  分离而出的美(1764年,德累斯顿)

第二章  流浪的小天使(1828年,慕尼黑-柏林)

第三章  底层青年的梦(1830年,巴黎)

第四章  新世界的诗人(1841年,波士顿一1855年,纽约)

第五章  不可能的绝技(1879年,巴黎)

第六章  光照中的起舞(1893年,巴黎女神游乐厅)

第七章  无动作的戏剧(1894年至1895年,巴黎)

第八章  装饰艺术作为社会艺术:神庙、住所、工厂(巴黎-伦敦-柏林)

第九章  表面的雕塑师(1902年,巴黎)

第十章  神庙内的台阶(1912年,莫斯科-德累斯顿)

第十一章  机器和其光影(1916年,好莱坞)

第十二章  一刻间的庄严(1921年,纽约)

第十三章  透过物而观看(1926年,莫斯科)

第十四章  存在者的悲光(1936年,黑尔郡-1941年,纽约)

注释

人名索引

致谢

雅克·朗西埃，法国当代著名哲学家、美学家，巴黎八大哲学荣誉教授。论述涉及文学、艺术、电影与政治等多个领域，代表作有《美学的政治：可感性的分配》《政治的边缘》《图像的命运》《哲学家和他的穷人们》等。

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钟表匠家庭出身的卢梭，指出了这种快乐的本义：“这种快乐，让我陶醉在它无尽的美妙之中，而它的关键和本质，就是难得拥有的闲情（farniente），我在这暂居中所有的做为，其实就像一个安于闲适的人，有滋有味而且郑重其事的将时间度过。”

我们还要弄清的是，这种看似简单的闲情，为什么却能彻底改变人的思想。这种闲情，它并不代表懒散，它的力量，来自于古希腊所说的“余暇”（otium）。正是有了余暇的时间，人才能放空心思，底层青年于连才能静下心来，停下一直在做的投机和算计，不再想超脱他本来的处境。不过，这种余暇的享受，不只是超脱了本来的位置，而是消除了那些位置的层级。在旧观念中，正是人们在这些位置上的差别，决定了上等人和底层人的分别。一个人处于怎样的位置，就等于他在生活中怎样度过他的时间，而这又决定了他的身体和精神是怎样存在。上等人的位置，就是要他们付诸行动，去开拓他们的宏图伟业，完成他们特有的成就，以此决定整个集体的命运。而底层人的位置，则是要他们安于劳作，去制作实用的物品、提供实际的服务，他们做这些事，只是为满足个人生存的需求。

我选出的这些场景不仅取自写作艺术，而且取自造型艺术以及表演艺术，或者取自关于机械复制的艺术。它们并不向我们展现那些内在于某种艺术的转变，而是展示某种艺术的表象通过何种方式实现艺术范式的变化。于是，每一幅场景都表达了某个特定的事件，围绕着一段标志性的文本来探究可赋予该事件意义的阐释框架。这些事件或许是一场戏剧表演、一场讲座、一次展览、一次到博物馆或艺术工作室的拜访、或者读完了一本书或看完一部电影。该阐释框架展示的是，人在感受和思考某次表演或者某样物品时，如何不仅仅将其视为艺术，而且视为一种艺术命题及一种特定的艺术情感的来源，又或者视为艺术中的一场革新乃至革命，即便为艺术觅得一条超脱其自身的道路。它将这些写进运动变化着的耀眼之物，人的感知方式、定义艺术范式的阐释效应及形式均形成于其中。场景并非要阐明某种思想。场景就像是某种小型光学仪器，为我们展现了一种思想，它力图编织出维系感知、效应、称谓、思想的关系，从而建立依靠这些关系所织出的可感之共同体（communauté sensible），并建立能令此编织过程变得可供思考的智识之共同体（communauté intellectuelle）。这些场景捕捉到作品中的概念，在那些它与其力图使之归入自身的新事物的关系中，在那些它要重新思考的旧事物中，在那些它为此目的而构建的或更易的模式中。因为思考首先总是对可思之物的思辨，是通过引入不可思之物从而改变可思之物的思辨。本书所罗列的思辨场景展现的是：一尊残缺的雕塑如何能成为一件完美的作品，可恶小孩的意象如何成为某种理想的再现，小丑翻的跟头如何能在诗意的天空中翱翔，一件家具如何成为一座神庙，一把楼梯如何能出名，一件打满补丁的背带裤如何成为国王的服装，盘绕起来的面纱如何成为宇宙起源论，行为的加速蒙太奇如何成为共产主义的可感之现实。这些变形过程并非个人的幻想，而是一种逻辑，这种逻辑有关：感知体制、效应...

本书在十四幅场景中都探讨了同一个主题，它从书名就能读到：美学（Aisthesis）。“美学”是一类范畴的名字，在西方过去的两个世纪里，这类范畴指的是一种可感的质料（tissu sensible）以及我们称之为“艺术”的可理解形式。我在其它论著里已经论证过：即便艺术史的叙述确实能从原始洞穴壁画开始说起，指称具体经验形式的“艺术”概念在西方却只有到了18世纪末才出现。当然，在18世纪末之前已经存在各类艺术及其实践方式。只有一小部分人能享受艺术带来的尊贵身份，这种身份由分化后的社会地位所决定，与个人自身是否出类拔萃无关。美术乃博雅艺术之后裔。博雅艺术区分于机械艺术，因为它面向的是自由公民（homme libre）或游乐之人（homme de loisir）的消遣。这些人的自身品性让他们不像工匠或奴隶那样要在劳作中那么地追求完美。当这种生命形式的等级开始摇摆时，这种艺术便开始在西方出现。当出现这种情况，它无法演绎自艺术的一般化概念，也无法演绎自建立于（关于人或者世界的，关于主体或者存在的）普世理论之上的美的一般化概念。这类概念自身依赖于可感经验形式的转变、感知方式及受影响方式的转变。这类概念形成了对这类经验重构的一种理解模式。

“美学”这个词指一种经验模式。在过去两个世纪里，我们感知纷繁的事物，无论是事物的生产技术还是用途，它们都归入艺术。这无关对艺术作品的“接纳”；关乎的是产生这些艺术作品的可感的质料。这实际上不但是物质条件——关于劳作与展示的领域，关于流通与再生产的形式——而且是感知的模式与情感的国度，亦是识别出这些事物的范畴，亦是进行分类与阐释的思维模式。这些条件让言语、形式、运动、韵律能够像艺术那样被人感受并思考。无论有人多么强烈地将艺术之事（événement de l’art）与艺术家的创造性工作对立于这种制度、实践、影响方式、思维模式的质料，后者都能允许诸如某样形式、...

司汤达写出《红与黑》的这一年，神授君权的新任国王被人民赶下了台、而于连的这一番经历，却给我们带来一个不一样的发现：底层青年的幸福，并不在于征服社会，它在于无所作为，就在此时和此地，无视社会层级的屏障，放下就在面前的苦恼，用纯粹的感受拥抱平等，不加算计地共享这可感的一刻。而在大革命以前，在巴士底狱被攻陷的十二年之前，卢梭在《独步漫想》里已经告诉了我们这点。革命的理想和卢梭的漫想，它们之间的矛盾，不需要在此多说；这里我们应该注意的是，小说流行起来的时候，它经常露出相反一面，它写到了让人无所欲为的幸福、还有让人懸置其中的一刻，这时只感到他完整存在，让他既不为过去而承受痛苦、也不为将来優心算计。对于连来说，他在临近死亡的时候，才有了这样的感受。而临近结尾的这段情节，却给小说带来了新生。小说开始写到各种各样的细微小事，在这些小事中，即使最单调乏味的生活，也能让人看到生活深刻的底层，这样的小说，也就不用再给人指明那些因果联系，不用再去推導個人和社會的變化。

它们仅把镜头作为工作，服务于外在日的。实际上，它们对多个镜头和多组镜头的剪辑。要为闲释剧情而服务。与其相反，新闻实片，不再充当说明材料，来反映当下多方面生活里的某个部分；它本身就是当下的生活，它不限于某片领土、某个时段、某种个人意义”‘摄影镜头的自治，就是要它深人各种事实的环境，将事实作成它的物，将此物作成社会建设的元素。这里要作的选择，不是在两类艺术中选一个，而是在两种可感世界中选一个：过去的世界里，作家艺术家、雕塑家、电影导演，都借艺术的名义，将他们的实践供给一种特定的消费；新型的世界里，他们制作的物，直接进入共同创造，即对共同生活的创造。

所以说，影片所做，就是组织事实。它的组织，所用形式是一种特有语言、一种陈列可见的语言，让事实产生沟通。不过，这样把构成主义应用到电影，很快就遇到难题。构成主义的源生影像，仍是将影像作为原材料，经过加工而形成物品，这种物品，可以是抽象的反浮雕”

（contre--relief，塔特林所作的抽象雕塑）、印花布料、公共配念建筑、工人俱乐部的器材。对创作行为的重视，意味着只为创作「见形式的艺术得到冷落。而电影的原材料，只有影像。《世界的六分之一》不能织出羊毛和麻布，只能“组织”影像，展示那些牧羊羊群带下河中冲洗、那些女工纺织亚麻。

司汤达写出《红与黑》的这一年，神授君权的新任国王被人民下了台，而于连的这一番经历，却给我们带来一个不ー样的发现：底层青年的幸福，并不在于征服社会，它在于无所作为，就在此时和此，无社会层级的屏、放下就在面前的苦恼，用纯的感受拥抱平等，不加算计地共享这可感的一刻。

编辑推荐

为什么现代艺术总是需要解读?

一座缺损的雕像如何成为一件完美的作品?

一幅贫民孩子的画像如何达成一种理想的呈现?

一群杂耍艺人的翻腾如何飞入诗意的天空?

一件补丁累累的工装如何展现一种高贵的品行?

一道航帆的折缝如何暗示宇宙的源起?

……

本书作者分析了14个发生于文学和艺术世界的事件或时刻，可以看出，一个感悟和阐发艺术的体制，消除了各类艺术的专门性以及艺术与日常经验间的界限，由此得以成立并转型。

书籍介绍

本书探讨了14个事件或说14个时刻，从温克尔曼笔下的赫拉克勒斯残躯，到詹姆斯•艾吉所拍的阿拉巴马州农户，间有黑格尔在美术馆的一次到访，爱默生在波士顿的一场演说，马拉美在女神游乐厅的一晚观赏，举办于巴黎或纽约的一场展出，上演于莫斯科的一幕戏剧，建在柏林的一座工厂，通过这些或闻名或隐秘的场景，我们可以探询何为艺术，以及何是艺术所为。 通过各章我们可以看到，一个感悟、阐发艺术的体制，消除了各类艺术的专门性以及艺术与日常经验间的界限，由此得以成立并转型。我们可以知道，一座缺损的雕像如何成为一件完美的作品，一幅贫民孩子的画像如何达成一种理想的呈现，一群杂耍艺人的翻腾如何飞入诗意的天空，一件家具如何被尊为一座殿堂，一段台阶如何塑造一个人物，一件补丁累累的工装如何展现一种高贵的品行，一道航帆的折缝如何暗示宇宙的源起，一段加速的蒙太奇如何表达共产主义的感性现实：这是一段艺术现代性的历史，它绝不同于现代主义的正统。